Proyecto II | escultura-2

Ejercicio de síntesis del cuerpo humano

Proyecto II. Título: Diez cuerpos

Introducción y objetivos

En este segundo proyecto, el cometido era crear una obra artística de carácter escultórico -siempre en relación con el cuerpo humano-, que trabajase con una estética y un estilo propios de las Vanguardias del siglo XX (cubismo, futurismo y dadaísmo, principalmente.), pero representando ideas, gestos, conceptos, acciones... contemporáneos. De esta manera, encuadrándonos dentro de las pautas características de uno de estos movimientos de vanguardia, debíamos configurar nuestra escultura.

Referentes

Pablo Gargallo. Considerado el precursor de la escultura en hierro, nació el 5 de enero de 1881, en Maella (Zaragoza). Su padre poseía una herrería, aquí aprendió la técnica de la forja. En 1888 su familia emigra a Barcelona por razones económicas y allí comienza su formación artística en el taller del escultor Eusebio Arnau y con el escultor Venancio Vallmitjana en la Escuela de Bellas Artes de La Lonja.

En estos momentos en los que en Barcelona se estaba desarrollando el Modernismo, Gargallo frecuentó las tertulias de Els Quatre Gats y mantuvo contactos con jóvenes artistas como Novell o Picasso. Por ello, sus primeras obras beben del modernismo. Por ejemplo, Pequeño desnudo o la decoración de edificios barceloneses que realizó en colaboración con el arquitecto Doménech i Montaner, como son el Hospital de la Santa Cruzy San Pablo y el Palau de la Música catalana.

En 1903 obtiene una beca que le permite ir a París a completar sus estudios. Su estancia fue breve, pero desde entonces y hasta 1923, que es cuando se instala definitivamente en la capital francesa, sus viajes serán frecuentes. Allí encontró las formulaciones estéticas del Cubismo, asimiló sus sistemas expresivos y buscó el esquematismo y la esencialidad de figuras y objetos, tratando de encontrar la auténtica expresión tridimensional de los postulados cubistas.

Empezó ya a usar los materiales metálicos como la chapa, el cobre o el hierro. En torno a 1911-1912 realizó las primeras máscaras, que son piezas de gran simplificación, elaboradas con chapas recortadas, ligadas a la estética cubista. Continuó utilizando las chapas metálicas y con ellas empezó a sugerir volúmenes y exaltar los huecos, los vacíos, mediante la penetración de la luz en los interiores. Como por ejemplo, El violinista, La toilette o El hombre de la pipa.

En 1920 es nombrado profesor de escultura de la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña, y en 1923 será destituido por razones políticas al proclamarse la dictadura de Primo de Rivera. Será entonces cuando Gargallo se instale definitivamente en París con su mujer y su hija.

A partir de este momento su estilo adquiere una dimensión muy personal, derivada de la interpretación del cubismo. Se basa en la búsqueda de una síntesis formal de la figura en planos geométricos siempre fluidos y en la valoración de los huecos y los macizos. Sustituye los materiales convencionales como el mármol o el bronce por las láminas de hierro forjado. Crea un nuevo lenguaje escultórico introduciendo el vacío como volumen y dotando a sus figuras de gran dramatismo expresivo. Alguna de sus obras más representativas son Aguadoras, El joven de la Margarita, El Arlequín o La Bañista.

He escogido a este gran artista por el empleo del hierro en sus esculturas, así como por el tratamiento que realiza del cuerpo humano, si bien no muy sintetizado, y el uso de huecos y espacios en sus obras. La obra que más me ha influenciado, en este sentido, es El Profeta.

Julio González. Junto con Pablo Gargallo, su precedente más directo, convierte el hierro en material artístico. Nació en Barcelona en 1876. Allí, se formó en la Escuela de Bellas Artes y trabajó en el taller de orfebrería de su familia junto a su hermano Joan. Asistió al Círculo Artístico de San Lluc y frecuentó el café Els Cuatre Gats. Sus primeras incursiones artísticas se encuadran en la estética modernista, son pequeñas piezas de orfebrería trabajadas en el taller familiar.

En 1900, tras el cierre del taller de su familia, se trasladó a París junto a su hermano Joan. Allí entró en contacto con Picasso, Juan Gris y el propio Pablo Gargallo. La temprana muerte de Joan, en 1908, a quien estaba muy unido, lo llevó a una gran depresión y a un estado de introversión que limitaron su producción a la pintura y su círculo de amistades a Picasso y Brancusi.

Durante los años de la Primera Guerra Mundial (1916-1917), trabajó en la factoría de la "Soldadura Autógena Francesa". En 1927, cuando decidió dedicarse completamente a la escultura, aprovechó sus conocimientos de orfebrería y la técnica de la soldadura autógena para entregarse plenamente al hierro.

Sus primeras creaciones, máscaras y naturalezas muertas en lámina de hierro, dejan ver cierto componente cubista, pero desde 1928 irá caminando hacia la abstracción, aunque siempre se inspiró en el estudio de la naturaleza, conservando algunas referencias. Mujer peinándose, Mujer con cesto, Figura de pie y Maternidad, son algunos ejemplos de ese paso hacia la abstracción. La maternidad, las máscaras o las figuras femeninas, que son constantes en su obra. Un ejemplo es su Dafne o Figura acostada.

La década de los años treinta es el momento de esplendor de González. Se limita al empleo de planos esenciales, de líneas de fuerza y de los elementos más significativos, intentando unir la materia y el espacio, es decir, intentando proyectar en el espacio. Fallece en 1942.

He escogido a Julio González como referente, además de por el material con el que trabaja (barras y láminas de hierro), por el tratamiento que realiza del mismo, así como por la síntesis y la abstracción del cuerpo que ejerce en la realización de sus obras.

Louise Bourgeois. fue una de las artistas más originales e inventivas del siglo XX. Creció en una familia de restauradores de tapices en París. A principios de los años treinta, estudió matemáticas y filosofía en la Sorbona. La muerte temprana de su madre, en 1932, la impulsó hacia las artes visuales, y empezó a asistir a varias escuelas y programas en París, incluyendo el taller de Fernand Léger y l’École du Louvre. En 1938, se casó con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater y se mudó a los Estados Unidos. En Nueva York, se convirtió en miembro fundador de la New York School.

En 1951, después de la muerte de su padre, Bourgeois se introdujo al psicoanálisis con el Dr. Henry Lowenfeld, una práctica que mantuvo hasta 1985. Se volvió ciudadana estadounidense en 1955. La carrera de Bourgeois como artista en Nueva York empezó con exposiciones individuales de pintura en 1945 y 1947, seguidas de tres exposiciones de sus esculturas en madera e instalaciones ambientales en 1949, 1950 y 1953. No volvería a tener una muestra individual de su obra hasta 1964, cuando presentó un corpus innovador de escultura abstracta en yeso y látex en la famosa Stable Gallery de Nueva York.

En 1982, Bourgeois se convirtió en la primera mujer en presentar una retrospectiva en el Museum of Modern Art de Nueva York y, durante 2007, fue el tema de una retrospectiva exhaustiva en la Tate Modern de Londres, la cual viajó al Centre Pom - pidou de París, el Guggenheim Museum de Nueva York y el Hirshhorn Museum de Washington,D.C.

Petite Maman es la primera exposición en México de la obra de Louise Bourgeois desde 1995-1996. La exhibición consta de setenta y cinco piezas, incluyendo pinturas, obras en papel, dibujos sobre tela y series, esculturas, instalaciones y su escultura monumental exterior Maman, instalada en la explanada del Palacio de Bellas Artes. Petite Maman presenta una revisión a profundidad de las últimas obras en tela de la artista, a través del lente psicoanalítico de la relación con su madre.

Petite Maman debe su título a una frase recurrente en sus últimos dibujos en gouache, de formas semejantes a senos. Después de trabajar con una amplia gama de materiales desde los años cuarenta, Bourgeois empezó a incorporar telas de su propia vida (ropa, sábanas, colchas y toallas, todas ellas objetos que habían estado en contacto con su cuerpo) a su arte a mediados de los años noventa y siguió haciéndolo hasta su muerte, en 2010. Para Bourgeois, esta ropa está cargada psíquicamente y condensa ideas de sexualidad, identidad y feminidad. La ropa también era la clave hacia sus memorias, pues le permitía recuperar emociones del pasado.

A principios de los años noventa, se percibió un cambio en los impulsos que motivaban a Bourgeois. Sus obras anteriores las había realizado bajo la influencia de la relación conflictiva con su padre, pero sus obras tardías en tela reflejan una reorientación psíquica hacia su madre. Los escritos psicoanalíticos dejan claro que Bourgeois sufrió de un estancamiento edípico a largo plazo, activo durante toda su vida. Con el cambio de énfasis de su padre a su madre, los sentimientos de hostilidad, ira, castración y suicidio cedieron a la culpa, la expiación, la reparación y la confesión.

Los procesos de cortar, tajar, esculpir y romper fueron reemplazados por las acciones de unir, coser y combinar. El mismo uso de la tela es recuerdo de su madre, restauradora de tapices, y anuncia el predominio de una identificación materna. Como la gran araña Maman, que concibió como una oda a su madre, los últimos trabajos en tela apartan el miedo al abandono que padeció toda la vida.

Con estas obras, Bourgeois hacía una llamada a su madre para que la protegiera mientras se enfrentaba a su propia mortalidad inevitable y a una fragilidad física que la hacía cada vez más dependiente de los demás.

La suavidad y calidez de estos materiales sugieren un ambiente seguro y cerrado, una cuna o matriz, como si Bourgeois estuviera regresando a sus orígenes. En términos psicoanalíticos, el regreso al vientre materno significa el fin de la individuación que conlleva la muerte.

He escogido a esta artista por varias razones. En primer lugar, el uso y la importancia de los materiales que utiliza en sus obras, los cuales están directamente relacionados con el mensaje que Bourgeois quiere transmitir. Esto es algo que yo misma, en mi obra, he querido repetir. El uso del hierro, un material industrial, tiene que ver con el significado de la pieza: industrialización/ mercantilización/ materialización del cuerpo humano. El cuerpo como un producto realizado en serie. Esta es la idea que los medios nos quieren vender, pero la realidad es que cada cuerpo, a pesar de todo, es diferente y único (identidades), y al mismo tiempo, todos poseen elementos comunes que nos permiten hablar de igualdad.

Explicación y desarrollo

1. Idea inicial. Mi idea inicial estaba muy influenciada por la corriente feminista. Mi primera motivación fue trabajar sobre el tema de la mujer objeto, es decir, trabajar únicamente con el cuerpo de la mujer y buscar gestos característicos de este movimiento moderno que pudiesen ser sintetizados. No obstante, considero que sus gestos eran demasiado "explícitos", por decirlo de alguna manera (aunque, por supuesto, comparto totalmente el fin último de esta corriente: la igualdad de género), por lo que quise cambiar de idea.

Más adelante, desarrollé la idea de un cuerpo femenino basándome en la forma de las perchas (un objeto cotidiano) de lencería femenina, pero todavía más simplificada (el gancho típico, dos líneas para los hombros, un cuadrado para el tronco y un triángulo para la pelvis).

2. Transformación de la idea inicial. Poco a poco, fui desechando ciertos rasgos de esta idea de mujer objeto e introduje en mi proyecto otros temas, como el de cuerpos otros. Esta idea me pareció muy interesante, porque ya no estaba hablando solamente del cuerpo de la mujer objetualizado o cosificado, sino de cuerpos en general, de su diversidad, sin dejar a un lado esa idea de "cuerpo objeto", más generalizada.

De esta manera, introducía el tema de la igualdad. Al presentar diferentes cuerpos con diferentes formas y proporciones, mi objetivo era crear simplemente eso, cuerpos, sin dejar claro en sus formas el sexo que pudieran tener. Sin embargo, ciertos cuerpos sí están basados en rasgos del cuerpo de la mujer, por un lado, y en los del hombre, por otro. Pero esto no quiere decir que tengamos que interpretarlos como tal. Hay cuerpos que van más allá de la simple categorización de femenino o masculino.

En definitiva, son muy pocas las diferencias entre los cuerpos, muchas menos de las que queremos ver o nos han enseñado a ver, y yo quería reflejar esto mediante la síntesis de los mismos. La seriación y la presentación de las perchas-cuerpos de manera consecutiva, es lo que confiere esa idea de unidad e igualdad, a la vez que nos viene a la mente ese concepto del cuerpo como una mercancía que se expone y se vende.

Además, el que estos cuerpos estén estructurados como perchas de ropa es también una crítica a los medios de comunicación, la publicidad y la moda. Los cuerpos están diseñados a partir de la forma característica de un objeto cotidiano, presente no solo en todas las tiendas de ropa, sino también en las casas de todo el mundo. Los diferentes cuerpos son presentados al espectador como objetos y como prendas de vestir al mismo tiempo. Son meros disfraces, algo superfluo que está por encima de lo que en verdad somos (idea de máscara). Además, para trabajar todavía más esta idea de lo interior-exterior, diseñé estos cuerpos como siluetas simples y planas (no hay volumen en ellas). El interior está vacío, como si éste no fuese relevante a ojos del resto.

El espectador es libre de coger, cambiar de lugar e inspeccionar cuanto quiera ese cuerpo, tal y como haría con cualquier prenda de ropa o con cualquier objeto antes de comprarlos. Los cuerpos se transforman, de este modo, en meros elementos contemplativos, hechos para la observación, que están sometidos continuamente a una evaluación ajena, del mismo modo que el cuerpo humano es idealizado y expuesto en los escaparates para lucir la ropa, con el fin de que la gente mire, examine y juzgue (maniquíes). Por esta razón, mi intención es presentar los diferentes cuerpos-percha colgados de un perchero típico, que podemos encontrar en las tiendas de ropa, pero más simplificado.

Bocetos:

Ejecución

Una vez realizados los bocetos y elegidos los diseños que realizaría definitivamente, me dispuse a establecer las medidas y cortar las piezas de metal necesarias. El material escogido para la obra fue el hierro en forma de varillas de dos tamaños distintos: uno más fino, de 4 mm, para realizar los ganchos, y otro un poco más grueso, de 6 mm, para realizar la forma restante del cuerpo.

Primeramente, corté y doblé a la forma deseada todos los ganchos de las perchas (que hacen las veces de cabezas), ayudándome de un tubo de metal para darles la curvatura idónea. Posteriormente, pulí los extremos de los mismos para suavizarlos y redondearlos levemente. Realicé un total de 11 ganchos. Mi idea era realizar diez cuerpos, pero uno de ellos sería el de dos bebés siameses. Por tanto, necesitaría 11 "cabezas".

A continuación, corté a la medida que había establecido previamente las longitudes del hierro que darían forma a los cuerpos, así como las piezas que conforman la parte de los hombros (forma de las perchas), y los fui doblando poco a poco, ayudándome de diferentes herramientas y máquinas, hasta conseguir la forma descrita en los bocetos. Para finalizar la construcción, soldé las diferentes piezas. Este mismo proceso fue el que seguí para la realización de todas las perchas. En total realicé diez perchas con diez cuerpos diferentes.

Para la presentación de las piezas, realicé un perchero sintetizado con una varilla, también de hierro, un poco más gruesa que la de los cuerpos (8-12 mm). Se trata de una estructura rectangular de 1'2 metros de altura y 1 metro de anchura, que se apoya en el suelo gracias a cuatro patas soldadas de unos 20 cm cada una. Tras la realización de esta última pieza que pondría punto final al conjunto de elementos de mi obra, limpié y pulí las soldaduras de las piezas para dar un mejor acabado.

El acabado final de la pieza lo obtuve tras oxidar el material con aguafuerte. Al día siguiente, lo rocié todo con agua para darle el último toque a la oxidación. Finalmente, lijé las imperfecciones y sellé la textura con un barniz mate.

Fotografías del proceso: